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Actividades El arte contemporáneo como herramienta didáctica
Actividades El arte contemporáneo como herramienta didáctica
La segunda sesión de #EED2015 ha abordado la necesidad de incorporar el arte contemporáneo en la educación no solo como contenido sino como formato.
Espacio Fundación Telefónica
C/ Fuencarral, 3, Madrid
C/ Fuencarral, 3, Madrid
28
Feb 2015
M X J V :
10:00 - 20:00
S D y Festivos:
11:00 - 20:00
10:00 - 20:00
S D y Festivos:
11:00 - 20:00
La segunda sesión de #EED2015 ha abordado la necesidad de incorporar el arte contemporáneo en la educación no solo como contenido sino como formato.
Escuela de Educación Disruptiva- sesión 2
Mañana de 11 a 14h: Conversación 2.1 Luis Camnitzer
Conversación 2.2 Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto
Tarde de 15 a 17h: Taller: ManilaSantana. Camila SanJinés y Manel Quintana
Resulta una realidad comprobar como en muy pocas instituciones educativas, y especialmente en la escuela, el arte actual forma parte de la programación docente aun cuando su estética es mucho más cercana a los estudiantes que el arte de épocas anteriores. En esta sesión hemos abordado el tema de la necesidad de incorporar el arte contemporáneo en la educación, no sólo como contenido sino como formato y la importancia de trabajar los micro relatos como alternativa a las imágenes hegemónicas provenientes tanto de la cultura visual como del arte más tradicional.
Conversación 2.1: De la Educación Artística al arteEducación
«Nunca he repetido una clase, cada clase es una obra de arte». Luis Camnitzer es, al mismo tiempo y de forma inseparable, la figura internacional que representa de manera más contundente la ausencia de fronteras entre la producción artística y la pedagógica. Desde su posición como profesor emérito en la State University of New York, a la vez que artista contemporáneo de reconocido prestigio, hemos abordado con él temas tan urgentes como la reivindicación del arte no solo como estrategia formal sino como vehículo de conocimiento, la importancia de entender la producción docente al mismo nivel que la de otros productores culturales. «Los profesores de los profesores no les enseñan bien a ser profesores», ha lamentado el uruguayo poco antes de admitir que «me gusta enseñar, porque me encanta aprender».
Conversación 2.2: Descolonizar la mirada «La música techno, al igual que Kandinski, es una forma de abstracción». La intervención de los artistas visuales y profesores de Educación Secundaria Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto ha comenzado de una manera de los más inusual. Rompiendo las barreras y mostrando la colectividad con todos los espectadores/participantes de la sesión en el suelo.
Todos juntos. Nos hablan de nombres pero esos nombres nunca han estado solos. Descolonizar la mirada y entender el análisis de imágenes al mismo nivel de ejercicio intelectual que la producción técnica de las mismas es uno de los ejes que vertebran la obra de ambos. Desde su experiencia como productores culturales en los contextos que evidenciamos como híbridos en esta sesión, hemos conversado sobre la importancia de la alfabetización visual en la escuela, la incorporación de los macro y micro relatos visuales como contenido curricular para terminar abordando las posibilidades del arte contemporáneo no sólo como contenido sino como metodología de trabajo, tanto en los contextos educativos formales como en los museos.
Taller «del Karaoke Powerpoint al WhatsApp Mashup»
Con el colectivo ManilaSantana (Artistas Salchichas) formado por los artistas y educadores Maria Camila Sanjinés y Manel Quintana, hemos abordado de forma práctica los temas tratados en la sesión de la mañana mediante posibilidades de trabajo concretas. Utilizando como metáfora la idea del Profesor como DJ (construida a partir de la propuesta del Artista como DJde Nicolas Bourriaud), en “del Karaoke Powerpoint al WhatsApp Mashup” se evidencia la necesidad de emigrar desde la creación original a la remezcla como estrategia de producción en cualquier contexto educativo contemporáneo.
Participantes
Luis Camnitzer. Artista uruguayo. Profesor Emérito de la Universidad del Estado de Nueva York. Entre 1999 y 2006 fue curador para artistas emergentes en The Drawing Center, Nueva York. Fue curador pedagógico de la 6ta Bienal de MERCOSUR y Curador pedagógico de la Fundación Iberé Camargo, Porto Alegre, Brasil de 2007 a 2010. Hasta 2012 fue asesor pedagógico de la Colección Patty Phelps de Cisneros.
Graduado en escultura de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Universidad de la República, Uruguay, cursó estudios de arquitectura en la Facultad de la misma universidad, y escultura y grabado en la Academia de Artes Plásticas de Munich. Recipiente de la Beca Guggenheim en 1961 y también en 1982. En 1998 recibió el premio anual de la crítica de arte latinoamericana otorgado por la Asociación Argentina de Críticos de Arte. En 2002 recibió el premio Konex MERCOSUR como artista, educador y teórico. En 2011 recibió el Premio Frank Jewitt Mather del College Art Association de Estados Unidos y el Premio Grabador Emérito de la Southern Graphic Conference International. En 2012 recibe la Medalla Skowhegan por su obra en instalaciones y trabajos interdisciplinarios y también el premio de USA Ford Fellow.
Maria Camila Sanjinés (Bogotá, Colombia) y Manel Quintana (Barcelona, Cataluña), conforman el colectivo Manila Santana. Sus proyectos se caracterizan por convertir la educación en una herramienta de producción artística. Generan ejercicios que se convierten en obras, las cuales se basan en la inclusión del espectador dentro del proceso. Creadores de “Articularte” el pabellón Pedagógico de la Feria Internacional de arte de Bogotá (ARTBO 2013 y 2014). En donde el público asistente rompía los límites de arte-espectador para convertirse en productor de contenidos. Colaboradores del NCLAB 2014, (galería NC-Arte) Un laboratorio creativo que investiga el vínculo de la educación y las prácticas artísticas. Actualmente son los creadores del proyecto pedagógico de la Fundación MISOL para las Artes, en donde han realizado la publicación Barrio, en una localidad de Bogotá, involucrando diferentes actores del lugar para su ejecución. Dentro de sus primeros trabajos se encuentra una serie titulada «El perro que se muerde la cola» (Galería Off limits, Madrid / Centre Civic Can Felipa, Barcelona / THAMBOS 09, Vic/ Rodalies 3, Mataró / Sala 15, Olot).
Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto. Entienden la producción cultural como un instrumento poético y formal de representación que da lugar a actitudes críticas personales y colectivas. Sus últimos proyectos giran en torno a la construcción política de los sujetos y comunidades, la reapropiación de la cultura popular resistente, el relato, la imagen pobre, la memoria y el malestar emocional bajo las nuevas formas del capitalismo.
Son profesores de secundaria, realizando un trabajo de reflexión y práctica artística sobre alfabetización audiovisual y pedagogías críticas. También desarrollan labores de formación del profesorado, de artistas, así como proyectos de autorrepresentación con jóvenes. Colaboran habitualmente en la generación de trabajos artísticos, discurso y comunidades de aprendizaje con otros productores culturales. Entre 1999 y 2003 formaron parte del proyecto colectivo Circo Interior Bruto. Han dirigido las Estancias Injuve para artistas jóvenes (2005-2007) y forman parte de Las lindes. Grupo de investigación y acción acerca de educación, arte y prácticas culturales del CA2M, Móstoles.
